第十届全国美展中国画展览中，关于工笔画一味求大、求“功夫”的现象，引起了一些美术界人士的注意，曾引出了一番批评和讨论。在我看来，写意画之中也存在类似的问题，并且，这不单单是全国美展中的问题，而是大型展览中的普遍问题。面对即将到来的第十一届全国美术作品展，有必要在这些方面引起注意。

　　关于写意二字，在《辞海》中有两种解释，第一种是古称吴(今江浙地区)方言，“舒畅愉快”的意思。第二种解释，是意指披露心境，唐代大诗人李白在其诗作《扶风豪士歌》中有云：“原、尝、春陵六国时，开心写意君所知”。至于中国画中的写意画，是相对于“工笔画”而言，它要求画家采用简洁豪放、潇洒与洗炼的笔墨作画。描绘生动物象的形神，抒发画家的胸怀与心境，故名为“写意画”。

　　写意画在表现被描绘的对象上，往往是采用概括与夸张的手法，表达丰富的联想，用笔虽简，但却艺术意境深远。另外，写意画要想出神来之笔，要求画家要有高度的文化艺术素养，拥有技法过硬的优秀艺术表现力和概括力，需要画家善于以少胜多的精彩笔墨，抒发艺术激情。落笔需准确，运笔要熟练，在造型能力和技法方面，要尽可能地做到意到笔随，得心应手，炉火纯青的艺术境界。如果艺术功底不行，笔墨技巧不到家，纵有再好的艺术构想，或多么有艺术激情，也不可能画出写意画的精品之作来。

　　我对写意中国画的认知，是随着年龄的增长，才慢慢有所领悟的。记得在20世纪50年代初期，当时我还是一个在故乡农村小学念初小二三年级的孩子，开始产生了爱好美术的兴趣。我尝试着用毛笔在很便宜的毛边纸上，临摹老先生的写意花鸟画。记得当时我在临摹了老先生画的鲜活而又富有灵气的虾子以后，有一天，我突发奇想，把从村外小水溪中抓到的可以美食的蹦跳鲜活虾子，与老人画中的不能吃的文化的虾子，幼稚地对照着进行比较。我觉得白石老人只用简洁的寥寥几笔，就把鲜活通体透明的虾子，神奇生动地表现出来了。但把白石老人画笔下的虾，与我从小溪中抓来的虾子进行比较，越看越觉得不像。我发现可以吃的鲜活之虾，与白石老人画在纸上的只能供欣赏的文化之虾，有着明显的差别。但是令我感到惊奇的是，在我离开从小溪中捉来的鲜活可吃之虾，再去欣赏白石老人画笔下的文化之虾的时候，却觉得白石老人所画在纸上之虾，不但越看越像真实鲜活之虾，而且随着我年龄的增大，文化和艺术素养的逐步长进，使我认识到白石老人画的虾子，是有文化含量，有艺术审美价值的虾。而且是为白石老人所独创的前无古人、后无来者的写意花鸟画中的精品和神品。白石老人所言之“似与不似之间”的艺术名言，在他所画的虾子中，得到了形象生动的体现。白石老人所画的虾子，不但有真实虾子的鲜活和真实感，而且有深邃与生动的文化和艺术内涵，蕴含着白石老人对真善美的艺术审美理想的追求。

　　由于我在少年时代起步学美术，就从临摹老人的花鸟画中，接触到了写意中国画，所以，尽管我后来在广州美术学院学的是雕塑专业，但我喜爱写意中国画的兴趣，却随着年龄的增长而有增无减。我记得，20世纪60年代前期，在广州美术学院上文史哲共同课的时候，当给我们讲授中国美术史的老师，是原本也画中国画的美术史论家陈少丰先生，他在给我们讲五代宋初的石恪和宋代梁楷的简笔写意画，以及后来讲明清时代的八大山人和扬州八怪的写意画的时候，讲得生动活泼，对学生们很有吸引力。明末清初的著名写意花鸟画家八大山人在江西南昌青云谱的纪念馆，离我的故乡不远，我曾有机会多次去纪念馆欣赏八大山人的写意花鸟画。我当然还非常喜欢清代扬州八怪中的例如郑板桥的写意花鸟画。当20世纪60年代前期，著名写意花鸟画大师潘天寿先生，在广州市广东省博物馆举办写意花鸟画展的时候，潘天寿先生的大气磅礴，具有建筑感的写意花鸟画，令我在心灵上产生了强烈震撼的艺术感受。我一连三次去看画展，并打开随身带的小速本进行临摹。我的老同学钟增亚，从广州美术学院附中到中国画系，打下了坚实的艺术造型基础，是一位对时代和生活充满热爱、充满艺术创作激情的善画大写意的画家，在他生前的时候，我常常会到他的画室去看他画写意人物画或写意花鸟画。作画时他总是饱含激情，落笔疾飞，采用非常简洁、潇洒与洗炼的笔墨，只那么几下功夫，无论是人物或花鸟，便鲜活与生动地跃然于纸上，很迅速就完成了一幅有情有景、神形兼备、诗意盎然，朴实、灵动与富有文化品位、在艺术上很有格调的写意人物或花鸟画新作。兴致很好的时候，钟增亚往往会掏心地向我谈些有关写意画的心得和感受。从而使我能增加一些有关写意画的知识。

　　依我浅见，写意画之艺术创作目的，是为了抒怀画家的胸怀，表达画家热爱生活和大自然的诗性化的激情。因此，对现实生活和大自然缺乏热爱情怀的人，是断然画不好写意画的;而文化和艺术素养低的画家，也是不可能画出写意画的精品之作。

　　偏重感性化的写意花鸟或人物画，讲究在画家产生如山洪暴发一样的艺术创作激情，或一触即发的艺术灵感的时候，乘兴立马动手，一气呵成将画作好。用偏重理性化的“十年磨一剑”，按画工笔画的要求那样，一张工笔画冷静和理性地画两三个月或半载一年的方式，用在画写意画方面是断然不行的。

　　另外，从美术史上宋代梁楷写意画代表作《太白行吟图》，到近代写意画大家、和的写意画，以及20世纪50和60年代潘天寿、李苦禅和等的写意花鸟、山水或人物画，我发觉除了潘天寿的写意花鸟画，有大到丈二的巨作是特例外，大都画幅的尺寸不大。之所以写意画的画幅尺寸都不大，是因为写意画幅小，便于画家作画时一气呵成，快捷迅速地完成写意画的作品。如果画幅太大，受笔墨工具的局限性，是难以一步到位，一次完成写意画创作的。究其原因，是因为写意画主要是从感性出发作画，画家的艺术创作激情潮涌，或艺术灵感的冲动，都往往是变幻莫测、不可能保持长久。这既是写意画有别于工笔画的特性，又可以说是写意画的局限性。当今许多写意画画得不好，问题大多出在画家对写意画的特性没有掌握好。许多所谓的“写意画”，人们只能从画面上看到类似工匠般的制作性，而缺少写意画所应显示画家艺术才能的艺术创作个性。行文至此，应当把这篇不像样子的文章的标题，在最后来加以说明了。

　　近些年来的写意中国画，无论是人物、山水或花鸟画的大写意画，似乎画家们都在争相比谁的画画得大，好像只有将画画得大，才能显得画家有“大师级的水平”，以为只有画得大，才有所谓艺术的冲击力。我认为，之所以会形成这种把写意画越画越大的风气，主要是因为走向市场的中国画，像装修工粉刷墙壁那样，按平方尺论价，画幅越大，卖的钱就越多。其实，古今中外，衡量一幅画艺术质量的高低，不是按画的大小来决断，而主要看画作本身的艺术质量。某些画家喜欢画大画，并不是从追求艺术本体的需要出发，而是从盯着画商和收藏家的钱袋着眼。我在参观一些画展时常常发现，不少写意画从题材来看，完全不适合画成大画，结果也画成丈二那么大的画。有些画家根本就没有画大画的能力和才华，也要跟着硬着头皮去画大画。结果呢?画作是大了，但却大而空，在艺术上没有东西给人看。画中的笔墨没有艺术神韵，构图呆板缺乏感人的艺术空灵感。整幅画只有制作性，而无大写意画的艺术性。每当我站在这样的大画面前，就会想，倘若、和站在这样的大画面前，也许都会自叹不如，只能承认自己是画小画的小画家了。因为他们的画作，大多数都不到现在一些超大型的大画的数分之一那么大。

　　所以，在当代中国画界，很难出写意画的精品力作，写意画被异化，是个客观存在的不争的事实。希望在即将到来的第十一届全国美术作品展上，我们可以看到更多优秀的、“正宗”的写意画。