绘画技法是绘画史上沉淀下来的精髓，是后人得以借鉴以及传承下去的无价之宝，对于它的研究和继承是不容忽视的。而中国古代工笔画的传统技法，体现在笔墨技巧和色彩技巧上，前者包括绘画的用笔、用线、用墨，后者则是对颜料以及着色技法的研究。

首先是用笔，早在南齐谢赫的六法论中就已提到关于用笔的方法，即“古法用笔”，这是画家们创作绘画的手法，同时也称为后世历代品评画作的重要标准之一。对于工笔画物象的描绘，如结构、形态等，只能通过线的准确性和力量感区分和表达，因此，行笔要有力量，笔力饱满，要求用笔果断，如骨刚直，以“骨法”来表现用笔的艺术。此外，还有一些关于笔法的程式化的表现手段，如用笔常有中锋、侧锋、顺锋、逆锋，行笔有一波三折，无垂不缩，无往不收，欲上先下，欲左先右，抑扬顿挫，宜转宜活等，这些都能够体现中国画笔法的多样性、丰富性。

用线，线是中国工笔画最基本的表现语言，其表现力无穷无尽，在绘画中担任着塑造形体，表达神韵，传递情感的角色。中国古代绘画对于线描的要求是十分严格和讲究的，甚至于绘画创作的目的和风格也时常通过线描来体现，如“高古游丝”、“行云流水”、“吴带当风”、“曹衣出水”、“丁头鼠尾”等十八描用线技法，均可看出中国传统绘画对于用线的重视。画家可以线条来表现造型语言，组织画面，经营布局，提高格调等，通过线条的各种变化，用笔力度，运笔速度，行笔方法等来描绘出物象的质感、量感、动态感，来表现形体结构，透视变化以及情感，从而使线本身具有很强的形式感和独立的审美价值。

用墨，绘制中国画的主要颜料就是用墨，笔墨是他的灵魂，因此自古以来画家们就十分重视笔墨的运用。关于用墨的问题包括两个方面，即墨色和墨法。以墨的含水量以及含墨量的变化来看，可分为五色：浓、淡、干、湿、焦。墨法，即用墨的方法，常用到的有积墨法，泼墨法，破墨法等。这些方法大多主要在写意画中使用。

中国美术对于颜料的研究源远流长，在历史上保留下来的作品中，既有鲜艳亮丽的，又有清新典雅的，然而经过千百年时间的洗礼，它们的色彩依然保持着当初的风貌，原因是传统的中国画原料均是出自自然原料，经久不变，且不会对环境造成伤害，因此极受画家们的喜爱，甚至远销海外。根据性质，我们可以将其分为水色和石色。水色主要包括植物质颜色和动物质颜色，它们易溶于水，色泽明润，常用的水色颜料有藤黄、花青、胭脂、曙红、酞青蓝等。石色是矿物质颜色，是挑选适于绘画的有色天然矿质，经过一系列工序精制而成，这种颜料不透明，不溶于水，覆盖力强，常用的石色有朱砂、石青、石绿、土黄、赭石等。此外，还有同属中性色的黑白、金银等，黑即石墨，白即蛤粉，钛白等，金、银则是金粉、银粉。

至于着色技法，谢赫在六法论中提出“随类赋彩”的设色原则，即在物象自然固有色的基础上，经过画家的主观概括，总结，加工提炼，重新组合成为完整的色彩。此外，还有“笔为墨帅，色为线辅”，“墨即是色，色即是墨；墨随色定，色依墨态；墨中有色，色中有墨；墨不碍色，色不碍墨；非色非墨，恰似神彩”等设色理论。在这一系列设色原则的基础上，画家们对着色技法进行了研究。在中国画技法勾、皴、点、染、丝中，勾和染占了绝大部分的比重，古代传统工笔画仍然主要运用细线勾勒，赋彩设色的方法进行绘制。常用的着色方法有渲染、垫色、平涂、罩染、接染、拖染、烘染、衬托、勒、刷等。

渲染是一手两笔，一支蘸水，一支蘸色，色笔染，水笔运，从结构的深处开始，由浓而淡，产生一种自然渐变的效果，变色丰富，色感细腻。

垫色，是先在画纸上染一种颜色，均匀的涂在物象上，不分厚薄、深浅，以求统一整体的色彩效果。

罩染，是先用水色渲染物象，干透后再以石色重新罩在上面。

接染，先用一种颜色渲染后，再用另一种颜色接着染，使两种颜色在湿润中自然的衔接，浑然而成一体。

拖染，在一支笔上从笔根到笔尖蘸上两种以上的不同颜色，染色时把笔横卧，一扫而过，则会呈现出不同颜色，色与色之间衔接自然，无生硬边线。

烘染，在物象的周围用底色淡淡的渲染，以衬托或掩映物象。

衬托，是在画面需要的部分的反面上色，能使正面颜色更润泽亮丽。

勒，是在已上色的画面上，用墨、胭脂、粉色等颜色，在原来勾的线上，或旁边再勾一次，主要用来提醒墨线。

刷，使之用排刷或大笔大面积上色，多半用于画地面、天空和底色，也用于画面罩色。


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